‘El rey de la montaña’ de Gonzalo López-Gallego

El rey de la montaña

A “El rey de la montaña” le pasa prácticamente lo contrario que lo que comentaba hace unos días a propósito de “Mataharis“. En este caso, la idea se aparta de las tradicionales fuentes de inspiración del cine español y la dirección es todo lo dinámica que se puede pedir. Lo que falla, en mi opinión, es el guión.

Como digo, la idea de realizar un thriller sobre unos personajes que deben sobrevivir, perdidos en una montaña, a la persecución a la que los someten unos desconocidos recuerda más al “Deliverance” de John Boorman que a ninguna cinta del cine español reciente. Esta osadía en el planteamiento es digna de ser aplaudida.

Lo malo es que algunos detalles del guión me estropean bastante el disfrute de la película. De entrada, en los primeros cinco minutos asistimos a una escena totalmente ridícula y forzada que sirve, tan sólo, para que los personajes de Leonardo Sbaraglia y María Valverde se conozcan.
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‘Mataharis’ de Icíar Bollaín

Mataharis Icíar Bollaín

En “Mataharis” veo, curiosamente, las grandes virtudes del cine español y también esos defectos que hacen que los espectadores no se decidan a llenar las salas cuando se trata de nuestro cine.

En el lado negativo, la temática. Entiendo perfectamente que las salas no se abarroten de gente deseando ver la historia realista de unas detectives privadas y de cómo su trabajo influye en su vida privada. Una dirección muy austera, totalmente justificable por el argumento, se encarga de rematar la faena y de dejar fuera de juego a más de la mitad de los espectadores.

En el lado positivo, el guión y los actores. El guión, de la propia directora junto a Tatiana Rodríguez, por ser capaz de hacernos sentir las problemáticas de gente que, pese a que su profesión pueda parecer interesante e incluso misteriosa, son como nosotros y tienen nuestros mismos problemas.
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‘Camino’ de Javier Fesser

Poster Camino Javier Fesser

Camino” cuenta la historia de Camino, una niña a la que le es diagnosticado un cáncer, y la forma en que ella y su familia, bastante relacionada con el Opus Dei, afrontan la enfermedad.

Entiendo perfectamente que es muy difícil juzgar con criterios exclusivamente cinematográficos una película que trata temas tan delicados como los que trata este nuevo trabajo de Javier Fesser. Aún así, como siempre digo, estamos aquí para hablar de cine y temas políticos o religiosos han de quedar a un lado. Por ello, quiero aclarar que ni conozco la verdadera historia que ha inspirado la película ni me interesa especialmente.

Lo primero que quiero es advertir a todos aquellos que todavía no la han visto, que la película es durísima y se convierte en un auténtico vía crucis para todo espectador con un mínimo de sensibilidad. Un vía crucis en el que Javier Fesser nos deja pocos lugares a los que agarrarnos. Es raro encontrarse con un caso tan llamativo de falta de piedad con el espectador y me acordé, al salir del cine, de la desoladora sensación que me dejó hace años “Dejad paso al mañana“, una de las obras maestras de Leo McCarey.

Por un lado, es verdad que es muy sencillo hacer sufrir a un espectador mostrándole el dolor y el sufrimiento de alguien tan inocente como una niña de la edad de la protagonista. Pero por otro lado, no se puede negar que los mecanismos usados por el director resultan de una eficacia aplastante, dejando al espectador totalmente derrotado en su butaca.
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‘La habitación de Fermat’ de Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña

Poster La habitación de Fermat Alejo Sauras Elena Ballesteros Santi Millán

Escribir sobre un fracaso siempre me resulta desagradable. Puede dar la sensación de que se hace leña del árbol caído y esa no es, en absoluto, mi intención. Por eso soy mucho más ácido cuando hablo de cintas de gran presupuesto que son unos pestiños que cuando hablo de películas humildes que, al menos, lo han intentado.

En el caso de “La habitación de Fermat” desconozco sus resultados de taquilla pero es una película que, a priori, me caía simpática porque intenta un tipo de cine poco habitual en nuestra cinematografía: un thriller opresivo, que bebe bastante de “Cube“, con una premisa interesante.

El problema es que a la hora de la verdad las intenciones no son suficientes. Lo que cuenta es el resultado. Y en este caso es realmente decepcionante.
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‘Los cronocrímenes’ de Nacho Vigalondo

Los cronocrímenes Nacho Vigalondo

Tras una injustificada espera, que no hace sino demostrar la ceguera cinematográfica española, al fin el público ha podido juzgar a Nacho Vigalondo por su obra y no por su incuestionable carisma. En ese año de espera, mientras en España tenía que partirse la cara para conseguir estrenar la película, en los USA le compraban los derechos para realizar el correspondiente remake. Lo dicho, aquí mantenemos algunos defectos endémicos que va siendo hora de que cambien.

Los cronocrímenes” es la ópera prima de Vigalondo y, teniendo en cuenta la tremenda presión que debe sentir alguien que estrena por primera vez en el cine español, no me queda más remedio que rendirme ante el valor y la honestidad de la propuesta.

Valor porque se trata de un tipo de cine, la ciencia ficción, que no termina de estar bien visto en nuestro país. Menos aún si carece de efectos especiales y tiene tan sólo un reducido número de personajes.

Honestidad porque Vigalondo no apuesta por un cine comercial sino por un cine totalmente personal. La película es Vigalondo 100%, tiene su personalidad grabada a fuego, su mala leche, su atmósfera rozando el surrealismo y esa sensación de no tomarse nada en serio. Aquellos que hayan disfrutado de “7:35 de la mañana” o de “Choque” entenderán lo que quiero decir.
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‘[Rec]’ de Jaume Balagueró y Paco Plaza

Rec de Jaume Balagueró y Paco Plaza

Finalmente estas navidades he podido ver uno de los grandes éxitos del cine español en 2007. No es que no me fiase del gusto del público, que no me fío ni un pelo, pero la película ha supuesto para mí una de las grandes sorpresas del año pasado.

[Rec]” nos cuenta la historia de una reportera y un cámara de televisión que, para realizar un reportaje, pasa una noche en una estación de bomberos. Todo parece transcurrir con normalidad, incluso de forma algo aburrida, cuando una llamada de socorro convertirá esa noche en la más terrorífica de sus vidas.

Sin desvelar nada sobre las causas de dicho terror diré que la idea de fondo me parece buena y tiene las suficientes dosis de originalidad para resultar sorprendente. La cinta está rodada desde el punto de vista de la cámara del equipo de televisión. Pese a ello, la acción no resulta confusa ni siquiera en los momentos de mayor agitación dónde, pese a que las imágenes puedan ser borrosas o estar movidas, sabemos siempre lo que está pasando y todo tiene un sentido narrativo.
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‘El orfanato’ de Juan Antonio Bayona

Poster de "El orfanato" Belén RuedaEstrenada hace ya dos meses y convertida casi al momento en el gran éxito del cine español de 2007, va siendo hora de que comente aquí mi parecer sobre una película que tardé en ver por falta de tiempo y he tardado en comentar por falta de entusiasmo.

El orfanato” es, quiero dejarlo claro, posiblemente el mejor producto del cine español del año. Un tipo de cine comercial que deberíamos hacer más en nuestro país: bien dirigida por Juan Antonio Bayona (al que le auguro un estupendo futuro), con una cámara más activa de lo habitual en nuestro cine, un sonido estupendo, una dirección artística eficaz, una buena banda sonora, buenas actuaciones y algunos momentos realmente inquietantes, que consigue mantener el interés del espectador durante toda la proyección.

Dicho de otro modo, la cinta es lo más parecido a una superproducción que se puede rodar hoy por hoy en España. De hecho, no tiene nada que envidiarle a las superproducciones estadounidenses que revientan taquillas por todo el mundo. Cada euro invertido en la realización de la película se ve en pantalla y eso demuestra, repito, el gran nivel de producción del film.

El problema, para mí, es otro. El problema es que la historia está muy vista y resulta bastante predecible. Se han hecho ya tantas películas de terror sobrenatural en la historia del cine y tantas y tantas en los últimos años que no hay ya, apenas, lugar para la sorpresa. Por eso cuando llegan los momentos finales, estupendamente dirigidos por otra parte, uno no puede evitar una cierta decepción.

Por ejemplo, y sin salirse del cine español, tengo que decir que le he encontrado más de un parecido con “La habitación del niño“, el episodio dirigido por Alex de la Iglesia para la serie de tv-movies “Películas para no dormir”.

Por ello, quien termina por hacerse dueña de la función y demostrar de una vez por todas que es una buena actriz a la que hay que tomarse muy en serio es Belen Rueda, capaz de sufrir en pantalla como pocos y merecedora de todas las alabanzas que ha recibido y que podrían ser extensibles, en menor medida por tener menos peso en el resultado final, a casi todos sus compañeros de reparto.

En definitiva, una película que está bien, un producto perfectamente rematado pero que no ofrece nada especialmente novedoso y que, en mi opinión y pese a lo que dicen muchos, no es lo mejor del cine español de este año.

Valoración final: 6,5 sobre 10.

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‘La luna en botella’, un sueño de Grojo

Poster La luna en botella

Valiente fue la primera palabra que me vino a la cabeza cuando vi en su momento el primer trailer de La luna en botella, una película de un director del que yo, en mi ignorancia, no había oído hablar nunca.

Valiente porque el mencionado teaser daba a entender que podíamos estar ante una cinta diferente dentro del panorama español aunque dejaba abierto algunos interrogantes sobre si no sería un anuncio tramposo o si no respondería a un intento de imitar a otros directores (“Delicatessen” me vino a la mente) más que a una visión propia.

Ahora que ya he visto la película, si alguien me pregunta qué pensé al salir de la proyección le tengo que contestar con sinceridad: ¡Grojo, eres un valiente!

Porque no sólo estamos ante el proyecto más arriesgado del cine español en lo que llevamos de año; es que se trata de una de las películas más personales de los últimos tiempos. Aunque sólo fuese por eso, ya merecerían el aplauso tanto Grojo en calidad de guionista y director como los productores que pusieron dinero para que el sueño fuese posible.

Y es de sueños, precisamente, de lo que trata la película. Esos sueños imposibles que todos tenemos. O debería decir casi todos porque en la película, como en la vida, hay quien ya ha dejado de soñar. Es la fe en lo imposible, en la utopía cósmica, la que mueve los corazones de los protagonistas de la cinta y la que movió, no me cabe ninguna duda, a Grojo a escribir el guión y luchar por sacarlo adelante contra viento y marea. Los sueños hay que perseguirlos y no importa la cantidad de veces y maneras en que te digan “NO”, porque a veces, sólo a veces, los astros se ponen en fila, el milagro se produce y oyes un definitivo y redentor “SÍ”.

A estas alturas ya os habréis dado cuenta de que es una película por y para soñadores. Ahí está su fuerza y ahí, en parte, también su punto débil. Porque la cinta tiene un puntito de inocencia que es de agradecer en los tiempos que corren pero que, al tiempo, pueden alejarla de cierto tipo de público más dado al “realismo”. La película es inocente sí, porque inocente es soñar en un mundo que se empeña en derribar utopías cada día. Si uno no está dispuesto a creer en lo imposible no debería ver esta película.

Por desgracia la cinta no es perfecta. Creo que hubiese necesitado un mayor presupuesto a la hora del rodaje porque tengo la sensación de que hay ideas que se han quedado en el tintero y otras que no han quedado todo lo bien que podrían de haber tenido más tiempo/dinero. Por supuesto, ha faltado dinero en la promoción pero eso, además de un mal endémico del cine español se debe también a los problemas económicos de Sogecine en estos momentos.

Tampoco me convence del todo la resolución de la historia de Rossignol (Dominique Pinon) y sus dos camaradas. No sabría explicarlo pero, pese a parecerme un buen final, hay algo en el engranaje que no me termina de encajar. Hablando de finales, también el de la historia de Zeta (Edu Soto) me resulta algo apresurado y facilón.

Edu Soto es, de hecho, otra de las cosas que no me gusta porque, aunque sus facciones encajan con el personaje que interpreta y se adecúan a su personalidad, su interpretación no me convence y me parece lo más flojo de la función. No sé si es por él o no pero su historia con Alicia (Bárbara Goenaga) resulta algo ñoña, aunque a mí no me llegue a resultar molesto.

Por otra parte los actores están bien y en especial los secundarios como Leigh Zimmerman (Irene) que canta una hermosa canción, Michael Jenn (Kurt), Federico Luppi (Rubén Cumplido), Usun Yoon (Michelle) o un Dominique Pinon que está especialmente brillante.

También me gusta y, sobre todo, me divierte la visión que del arte y los artistas famosos ofrece la cinta. Detalles maliciosos como el de la profesión del protagonista (escribe libros estupendos que firman autores famosos y sin inspiración) o el del artista que hace un huevo gigante para la plaza de una ciudad y se pregunta si no debería haber hecho un cubo…

Pero si algo recordaré de la película, además de su hermosa y utópica historia y de la tremenda valentía de haber sacado adelante un proyecto como éste, es su brillantez visual y su capacidad para crear un mundo personal en el que Grojo consigue convencernos de que todo es posible y de que tal vez, algún día, nosotros también podamos meter la luna en una botella.

Valoración final: 7 sobre 10.

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‘7 mesas de billar francés’ de Gracia Querejeta

Poster "Siete mesas de billar francés"

No es Gracia Querejeta una directora a la que le tenga tomada la medida debido al poco conocimiento que tengo de su obra anterior. Vi “Cuando vuelvas a mi lado” hace unos años y recuerdo que me había gustado pero no he visto ni “El Último viaje de Robert Rylands” ni “Héctor” pese a la buena pinta que tienen a priori.

Por ello acudí al cine a ver “Siete mesas de billar francés” sin saber muy bien lo que me iba a encontrar y llevado tan sólo por mis buenas vibraciones ante la película.

¿Y qué es lo que me encontré finalmente? Pues una película que debería marcar la referencia para uno de los caminos posibles por los que debe transitar el cine español.

Digo esto porque, si bien es evidente que el público demanda más cine de género español, con amplios presupuestos y bien realizado, creo que propuestas como la de Gracia Querejeta no sólo tienen cabida en nuestras carteleras sino que son necesarias.
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‘La carta esférica’ de Imanol Uribe

Póster La Carta esférica Carmelo Gómez Aitana Sánchez-Gijón Imanol Uribe

No he leído la novela original de Arturo Pérez-Reverte en la que se basa esta película pero empiezo a pensar que el pobre Arturo, escritor nada despreciable, está gafado para el cine.

La carta esférica“, pese a estar dirigida por el prestigioso Imanol Uribe, autor también del guión, no se libra de ese gafe.

Varios son los problemas y defectos que lastran el resultado final de la película. El primero de ellos y contra todo pronóstico es la actriz principal. Aitana Sánchez Gijón es una actriz de talento hermosísima pero no es la más adecuada para el papel. Lo que el personaje requería era una mujer magnética, actractiva y misteriosa; una auténtica “femme fatale”. Aitana es hermosa, sí, pero lo suyo no es ser “femme fatale”. En España solemos confundir sensualidad con hermosura y que no es necesario ser un bellezón para interpretar un papel así lo sabemos todos aquellos que, por poner sólo dos ejemplos, recordamos a Marlene Dietrich o a Barbara Stanwyck.
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