Predecesores de la captura de movimiento: rotoscopio, animascope y colormation
Ahora que parece claro que, gracias a “Avatar“, la captura de movimiento (MoCap en sus siglas inglesas) es una técnica que está aquí para quedarse, no está de más recordar algunas predecesoras que, con ciertos matices, intentaron algo similar hace ya bastantes años, cuando la técnica aún no estaba tan avanzada y los ordenadores eran un sueño lejano.
El más conocido de todos es el Rotoscopio, técnica inventada por Max Fleischer que consistía, básicamente, en rodar una escena con actores reales y que los animadores pintasen por encima fotograma a fotograma. Se conseguía con ello más realismo en movimientos, expresiones y proporciones que el habitual en la animación. Creaba a cambio una extraña sensación en las imágenes que es fácilmente identificable.
Tres de los ejemplos más famosos de esta técnica los podemos ver en la adaptación de “Los viajes de Gulliver” dirigida en 1939 por Dave Fleischer (el propio Gulliver está animado así) , “Blancanieves y los siete enanitos” (el príncipe azul) y en la versión animada de “El señor de los anillos” de Ralph Bakshi.
Aquí os dejo un extracto de “El señor de los anillos” para que podáis ver, por vosotros mismos, los resultados finales de aplicar dicha técnica.
Bastante más tarde, en los años 60, en una empresa llamada Westworld Artist desarrollaron una técnica que llamaron Animascope y que ya tenía la esencia de lo que hoy en día se conoce como Captura de Movimiento. La cosa no salió adelante y por eso es una técnica mucho menos conocida que la anterior.
Aquí tenéis un vídeo publicitario de la Westworld Artist en el que intentan convencer a los inversores de las bondades del Animascope y de cómo les ahorrarán costes eliminando, por supuesto, dibujantes.
Pero no se vayan todavía, aún hay más.
En torno al año 1966, Leon H. Maurer, realizó un test para una técnica basada en el Animascope, a la que dio por nombre Colormation. Podéis ver el test bajo estas líneas:
Hoy en día la técnica ha avanzado mucho y se pueden conseguir efectos similares con algunos plugins de After Effects, como podéis ver en el siguiente ejemplo de un aficionado.
La gente de Cartoon Brew escribió un mail al propio Maurer preguntándole por esa técnica y ésta fue su respuesta. No la traduzco para no estropear los términos técnicos que, por otro lado, tampoco sabría traducir correctamente.
Yep, I made that test around 1966-7 using a new version of my Animascope Process which was actually done entirely on 35mm EK color film using three separate traveling mattes and two passes on an optical printer.The action was shot on a rim and flat front lighted black velvet stage using live actors made up using line drawings that I brush painted on the face, costume and latex prosthetics, including the hair pieces, with the color painted in flat latex washes and later flattened further using a low density low contrast positive greyscale traveling matte.
The outlines were created by using super hi contrast B&W positive and negative travelling mattes that were etched and dyed to restore opacity. The matte film was a special order Kodalith emulsion on 35 mm mylar film to maintain absolute registration so as to prevent line jitter.
This entire patented Colormation® process was written up as an illustrated tutorial article in the SMPTE Journal, Oct, 1967 after international patents were issued.
The original B&W Animascope system used the same shouting technique with white costumes and makeup, and a similar etch and dye process, using standard 100 foot rolls of 35mm EK Microfilm. The hi contrast outline traveling mattes were printed in house on a matte printer used for the old cinecolor process, and all films were developed and etched in war surplus field processing machines.
The mattes were then double loaded and projected, using my specially modified Oxberry animation stand, to print 9 x 12 auto peg punched Kodalith Cels on 100 foot rolls — which were processed in house using a military surplus, wide film continuous processing machine… Originally used for developing continuous aerial photographic film rolls during WW2. The cels were then ink retouched slightly to close up broken outlines, conventionally opaqued in color, and photographed against painted backgrounds on a standard animation stand. This process was tested originally with a short ballet film done in the style of Daumier where several of his paintings in a museum come alive.
Disney originally estimated this 3 minute short at $150,000 and six months production time. We did it in full 35mm technicolor, with a full professional Crew and equipment in less than two weeks at under $10,000 (and disney couldn’t have done it better).
Unfortunately, after producing a half hour pilot for a projected TV network series called the Wonderland of OZ (which never got aired) Dick Tracy and later Buck Rogers and Superman went live action, the company eventually folded, due to a financial disaster, and the patents had to be eventually sold to NYIT — when I was hired in the mid 70’s to work as a consultant on the development of the computer graphic motion control and animation systems leading to the digitization of Star Wars, Pixar, Toy Story, etc. Unfortunately, after several years of that I resigned before the CG lab closed and the entire staff went to Hollywood — while I settled down as a free lance graphic designer, artist and producer — before computers made obsolete all my old skills, and I got too old to be retreaded as a CG artist.
During that time, when my company folded, Ralph Bakshi used the process.
Finalmente os dejo dos ejemplos de este tipo de técnicas aplicadas a la publicidad. Dos anuncio de Levi’s de los años 70 que parecen hechos bajo los efectos de alguna sustancia psicotrópica (aquellos años eran así) y para los que estas técnicas de animación resultaban ideales.
(visto originalmente en Cartoon Brew)
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